Mariana, es un sintetizador Bi-timbral o de doble capa que está desarrollado sobre la idea de hacer bajos, ya que Moog tiene una larga historia en la que sus sintetizadores son buscados por sus bajos gordos, desde el Minimoog, hasta otros más modernos como el Minitaur o el Sub Phatty.
Mariana tiene lo típico de todos estos sintetizadores como lo es dos osciladores, sync, pwm, un sub oscilador, un filtro pasa bajas y un pasa altas con diferentes posibilidades de ruteo, efectos, 3 LFO's, 3 envolventes, dos generadores aleatorios, ruido con diferentes tipos de color y todo eso multiplicado por dos, por lo que es posible hacer bajos súper gordos y complejos.
Además es posible panear cada una de las capas y procesarlas distinto para así tener una imagen estéreo más interesante. Y lo más impresionante es que tiene la posibilidad de integrar de manera modular los mooger foogers.
Por acá les dejamos el video de introducción que preparó Moog de la mano de Lisa Belladona:
]]>Elektron no deja de maravillarnos con las actualizaciones que ha ido agregando a sus máquinas, que aunque algunas son relativamente viejas como el caso de la Analog Rhym, siguen dandole nueva vida y haciéndolas competitivas o mejores que muchas máquinas de la competencia.
La versión 1.70 agrega un nuevo estilo de secuenciador, cinco máquinas nuevas, parámetros adicionales, escalas y mucho más. Aunque en su núcleo es una máquina de percusión, esta actualización eleva el potencial melódico del Analog Rytm a un nuevo nivel.
El secuenciador Elektron está obteniendo un nuevo modo, el modo euclidiano, el cual ofrece una nueva formas de pensar los ritmos desde algoritmos que dividen rangos de tiempo en partes iguales, los son controlados por tres parámetros: pasos, pulsos y desplazamiento.
Los nuevos modelos son HH LAB, lo que describe Elektron como "un laboratorio para experimentar con los sonidos metálicos más extravagantes que hayas escuchado".
SY CHIP, una pequeña celebración que recuerda a los sonidos 8bits de la SidStation, la primera máquina de Elektron.
BD y SD ACOUSTIC aportan un paleta de sonidos distinta y natural de los muy usados bombo y tarola, quizás con algún tipo de síntesis de modelado físico.
Y finalmente, está SY RAW, un favorito versátil de Syntakt que utiliza formas de onda clásicas y que puede evocar tonos profundos de bajo, leads imponentes y percusión melódica.
Además de esto, se agregó la opción de guardar sonidos desde los trigs del secuenciador, una opción aleatoria de Slew para la forma de onda RND de los LFO, longitud de grabación personalizable para el secuenciador en el sampler, vista previa en parameter locking, generador de nombres de patrones aleatorios, mejoras en la interfaz gráfica, mejoras de rendimiento y mucho más.
Para obtener una lista completa de todas las nuevas características, mejoras y correcciones de errores consulta la página de Elektron.
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Sin duda podemos ver una influencia en la paleta de colores de la Sid Station y las primeras máquinas como la Monomachine y la Machinedrum, pero destacando el material con el que están echas, o sea acero inoxidable, y botones más sobrios que destacan una paleta de colores monocromática, donde los famosos botones de colores siguen siendo presentes.
Lo mejor de todo esto es que no sólo se estás ediciones limitadas cambian en el color sino que también la caja en la que vienen, y además incluyen un póster del aniversario, stickers inéditos y un casete donde viene un compilado de música echa con las máquinas por el equipo de Elektron con una selección bastante ecléctica.
Si quieres adquirir alguna de estás las tenemos en pre-venta dando click aquí.
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Descripción
¡Domina las herramientas esenciales para planificar y ejecutar un set en vivo de manera efectiva y emocionante! Conoce a detalle cada paso de este proceso, como selección de hardware y software, preparación de pistas, dominio de mecanismos de control y performance, integración de visuales y buenas prácticas. El taller es conducido por dos expertos en hardware, Leo Méndez y Pablo Mendía aka Aquamute, quienes compartirán experiencia, conocimientos y procesos para llevar música al escenario.
Qué vas a disfrutar
🎛️ Domina las herramientas esenciales para planificar y ejecutar un set en vivo
🎧 El taller es conducido por dos expertos en hardware
🎶 Lleva tu música al escenario
Información
📅 Fecha: lunes 9 y martes 10 de octubre
🕒 Hora: 12 p.m. a 7 p.m.
📍 Lugar: FWD / Heriberto Frías 217 (entre Esperanza y Morena) Col. Narvarte Poniente
📝 Taller dividido en 4 módulos de 5 horas cada uno
Requerimientos para el taller:
Como algunas personas ya saben, Plug & Play es una iniciativa que desde el nombre sugiere un formato específico de participación, en donde las y los artistas deberán de hacer un "live set", (no confundir con Dj set) en el que sólo tengan que llegar a conectar sus salidas de audio ya mezcladas, debido a la agitada dinámica de la jornada y los múltiples eventos que se desarrollan en el espacio, no hay tiempo disponible para hacer ningún tipo de conexión compleja y/o soundcheck, a la vez por el espacio y formato se esperan sets compactos y fáciles de montar.
Les presentamos la segunda tanda de proyectos que fueron seleccionados para esta nueva edición y porque fuimos fans:
Ice Cyborg habita el silencio con historias de ficción inspiradas en
escenas oníricas, personajes imaginarios o historias de mundos
antiguos. Su sonido explora diferentes géneros a partir del diseño
sonoro y creación de beats con medios digitales. A lanzado en sellos como WVWV, MelodyKrafter, Oris Label y Antimateria Sonora.
Su live act involucra softwares como VCV Rack y el DAW Ableton el cual interpreta con un controlador de teclas.
Parallel empezó su proyecto musical en 2019 experimentando con estilos Dance, Folktrónica, UK Garage, entre otros. Su acto en vivo comprende tanto el Live Set como el DJ Set.
Nos mostrará un set lleno de texturas que mezcla la Model:Samples de Elektron con un sistema Eurorack.
Es un dúo integrado por Ezequiel Araujo y Tomas Putruele de Banda de Turistas quienes en conjunto han desarrollado un proyecto de música electrónica enfocado al acto en vivo.
Origen:Mexicano/Argentino
La productora mexicana KOI trae de vuelta el panel Ánima, un ciclo de charlas que tiene como objetivo crear un espacio de diálogo y visibilización de proyectos tecnológicos y musicales desarrollados por mujeres. Ánima crea un panel enfocado a compartir parte de sus experiencias y desafíos dentro del ámbito musical como creadoras y gestoras de proyectos relacionados con el mundo de la composición musical, la producción musical, la síntesis de audio y el diseño sonoro. La intención principal es establecer un diálogo con perspectiva de género que pueda desmitificar diversas ideas relacionadas con el papel de la mujer dentro de las industrias musicales y tecnológicas actuales.
A continuación les presentamos el diverso grupo que fue curado para esta nueva edición:
Lena Ortega Atristain (Leena Lee), artista sonora, investigadora, productora de radio y diseñadora que explora relaciones ambientales, percepción corporal atmosférica y topografías afectivas a través de la investigación tonal y armónica de grabaciones de campo, luz y voz.
A lo largo de más de una una década de investigación basada en la práctica, su especialización ha girado en torno a las relaciones entrelazadas de las naturalezas/culturas. Actualmente aborda estas correspondencias desde la perspectiva de la cohabitación. El punto central de su trabajo abarca ecología del entorno sonoro, bioacústica, grabaciones de campo y exploración vocal. Mediante la incorporación de dimensiones afectivas en las prácticas de escucha, observación de campo, grabación y composición, pretendo fomentar la reflexión crítica sobre los espacios que cohabitamos y el significado de ser entidades ambientales. Desde esta premisa abordó “Bosque Vacío” su más reciente colaboración con el músico e investigador sonoro Guillermo Guevara, una propuesta que construye atmósferas a través de la exploración armónica/tonal del sonido-luz de un entorno específico. Ha sido artista e investigadora visitante en América y Europa, participando en exposiciones nacionales e internacionales, además de haber publicado artículos en libros colectivos de filosofía, arte, diseño y revistas de arte sonoro. Ha publicado, junto a la cantante Vania Fortuna, bajo el sello londinense Flaming Pines y es la productora del programa de radio Sin Superficie, la Piel no es el Límite, centrado en el arte sonoro, arte+ciencia y música ambiental experimental. Es actual miembro del grupo de investigación y producción Arte+Ciencia de la Universidad Nacional Autónoma de México.
Mariana Barrón (gestora cultural y especialista en comunicación & relaciones públicas) lleva 10 años colaborando en los circuitos culturales y de la industria creativa. Ha gestionado proyectos editoriales, radiofónicos, comunicación de festivales y exposiciones.
Actualmente es editora de contenido en arquine.com, además de llevar varios años colaborando cercanamente con MUTEK MX Festival Internacional de Creatividad Digital y Sonoro Podcasts.
Entre 2021 y 2022 hizo la curaduría de Archivos Cotidianos, una residencia y colaboración creativa con el espacio cultural Servidor Local, además de NIEBLA, exposición individual de Erik López.
Algunos de los proyectos donde ha colaborado son: el festival MEXTRÓPOLI, el MUAC de la UNAM, DEPARTAMENTO, entre otros proyectos que tienen que ver con la industria del diseño, moda, arte y música.
Ha publicado textos en Letras Libres, Nexos, El Asunto Urbano y Arquine.
Su práctica artística consiste en una serie de investigaciones acerca de la construcción de la identidad, la subjetivación y lo político-afectivo.
El trabajo artístico que realiza parte de la tensión que cotidianamente existe con la normatividad y cómo las prácticas artísticas experimentales contemporáneas funcionan como herramienta de resistencia para la construcción de un caber común.
Principalmente trabaja en el campo del arte sonoro, lo experiencial y las artes visuales. Como parte de su investigación artística, facilita sesiones colectivas de experimentación cuerpo - materia - ficción.
También es gestora, productora cultural y ha trabajado en diversas instituciones y festivales de música, cine y arte contemporáneo.
Una de las cosas que más disfrutamos en la pasada edición del Mexsynthco fueron los live sets que muchos de ustedes prepararon y que se presentaron en el patio del CCE, tanto fue nuestro gusto que ahora se presentarán en un escenario más grande como el espacio X.
Como algunas personas ya saben, Plug & Play es una iniciativa que desde el nombre sugiere un formato específico de participación, en donde las y los artistas deberán de hacer un "live set", (no confundir con Dj set) en el que sólo tengan que llegar a conectar sus salidas de audio ya mezcladas, debido a la agitada dinámica de la jornada y los múltiples eventos que se desarrollan en el espacio, no hay tiempo disponible para hacer ningún tipo de conexión compleja y/o soundcheck, a la vez por el espacio y formato se esperan sets compactos y fáciles de montar.
Les presentamos la primera tanda de proyectos que fueron seleccionados para esta nueva edición y porque fuimos fans:
Alejandro Elizondo es conocido por ser parte de la agrupación del norte del país conocida como Los Mundos, los cuales han tenido un sonido shoegaze y psicodélico a través de su discografía; para sus últimos discos empezaron a incorporar más sintetizadores y un sistema modular, el cual es ahora su herramienta principal para la hora de ejecutar su live set, el cual tiene módulos de la costa oeste de Verbos Electronics, algunos clásicos de Mutable Instruments que no pueden faltar en ningún case como los procesadores granulares o el Plaits, y más.
Una cosa que nos gustó de su set es cómo mezcla los sonidos y estructuras del drone, el krautrock y el techno desde su sistema modular, y que complementa haciendo melodías o texturas desde un Lemon Drop que es controlado por un Keystep de Arturia.
SNRNG es el nombre del proyecto de Ismael Méndez el cual desde 2014 ha lanzado tracks muy diversos que juegan con vaporwave, Ambient, Noise, y otras variantes experimentales de la música electrónica.
Su liveset está compuesto de dos Nintendo 3DS, una mixer de cinta tipo (Tascam Portastudio) y lo que parece ser un Volca Keys, una mezcla bastante interesante que desata drones sobre paisajes de arpegiadores.
Es un proyecto audiovisual chilango IDM y microglitch, es creador del sello Discos Deleite que compila más de 60 releases de artistas de todo el mundo, también ha publicado en sellos cómo Freude Am Tanzen (Alemania), VaariosArtistas (MX) entre otros.
Nos encantó como en su live set con pocos elementos logra texturas poco usuales, en un ritmo Ambient Techno. En su set usa un pedal de Reverb de Behringer, y dos de nuestras grooveboxs favoritas las cuales comparten el uso samples como materia prima, hablamos de la Model: Samples y la SP-404 mkii de Roland.
JL Martin, músico y artista audiovisual, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte; inició como VJ con el colectivo Nortec en 1999; explora las relaciones intermediarias entre composición musical, documental y live cinema.
Nos encantó este proyecto por su incorporación de visuales, en conjunto con el amado dúo Elektron de Digitakt y Digitone, su música nos recuerda a exploraciones electrónicas que juegan con momentos ambient o de la escuela de Berlín con un gran toque cinematográfico.
Texto por Pablo Mendía.
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En su cuarta edición, Mexsynthco también incluirá talleres, seminarios y convocatorias abiertas para brindar a los creadores de la comunidad la oportunidad de expresarse a través de conciertos en vivo y sesiones de micrófono abierto.
Todo esto es posible gracias al apoyo de marcas como Roland, Arturia, Ableton, Moog Music, Elektron y más. Mexsynthco es una iniciativa de entrada gratuita organizada por el Centro Cultural de España en México y la boutique especializada en sintetizadores HolaWave.Store.
La cuarta edición de Mexsynthco se llevará a cabo los días 1, 2 y 3 de septiembre.
Raúl Sotomayor
"Tonga Conga" es el alter ego de producción de Raúl Sotomayor, percusionista, DJ y productor, mejor conocido por ser la mitad de Sotomayor, una banda de la escena independiente mexicana que tuvo gran renombre que luego de 3 discos y 5 años de presentaciones en festivales alrededor del mundo, se han posicionado como uno de los principales impulsores de la llamada New Latin Wave.
En la cuarta edición de Mexsynthco, Raúl compartirá con nosotros un set musical y explicará cómo traducir sus técnicas de producción en un set en vivo que puedes llevar de gira a todas partes.
Panel Ánima presenta: Mariana Barrón, Lena Ortega y Lucía Rodríguez
La productora mexicana KOI trae de vuelta el panel Ánima, un ciclo de charlas que tiene como objetivo crear un espacio de diálogo y visibilización de proyectos tecnológicos y musicales desarrollados por mujeres. Ánima crea un panel enfocado a compartir parte de sus experiencias y desafíos dentro del ámbito musical como creadoras y gestoras de proyectos relacionados con el mundo de la composición musical, la producción musical, la síntesis de audio y el diseño sonoro. La intención principal es establecer un diálogo con perspectiva de género que pueda desmitificar diversas ideas relacionadas con el papel de la mujer dentro de las industrias musicales y tecnológicas actuales.
En esta edición participarán tres destacadas figuras en su campo: Mariana Barrón, Lena Ortega y Lucía Rodríguez.
Roland presenta: Alejandro Rosso
Alejandro Rosso, mitad de Plastilina Mosh, es un músico experimentado en programación, producción y creación de sonidos sintetizados.
Con una dilatada carrera y más de una decena de canciones que hicieron bailar al público nacional e internacional, Alejandro Rosso se ha tomado el tiempo de crear un disco personal e intimista titulado "Vita Notturna".
En este evento de MEXSYNTHCO, presentará el álbum y compartirá cómo le dio vida.
Circuito Interior: Introducción a la Creación de Circuitos de Sonido Analógico por Soft Circuit Babe (Carola Humo)
Artista e investigador sonoro, centrado en la creación de instrumentos y dispositivos de sonido analógicos hechos a mano, la experimentación sonora colectiva, la exploración de tecnologías preamericanas y, más recientemente, la programación de audio con código.
Arturia en tu Idioma presenta Creación y Producción de un Track desde Cero
Creando una pista del género 'Synthwave' con el equipo de Arturia en tu idioma. En el taller de 2 horas, se utilizarán herramientas icónicas de la marca como Polybrute, V Collection, Audiofuse, Keylab Essential MK3 para lograr una producción de nivel profesional inspirada en sonidos clásicos del pasado, con el apoyo de estas herramientas.
Por primera vez en Mexsynthco tendremos una proyección de cine enfocada en mostrar la historia de la síntesis y los pioneros que la hicieron posible.
HERMANAS CON TRANSISTORES es la notable historia no contada de las pioneras de la música electrónica, compositoras que adoptaron las máquinas y sus tecnologías liberadoras para transformar por completo la forma en que producimos y escuchamos música hoy.
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Como algunas personas ya saben, Mexsynthco es un evento comunitario que busca la integración y la generación de comunidad, es por eso que lanzaremos nuestra primera convocatoria para propuestas musicales.
PLUG & PLAY regresa en esta edición 2023 ya que denomina bien el formato de participación que tendremos; Debido a la agitada dinámica de la jornada y los múltiples eventos que se desarrollan en el espacio, no hay tiempo disponible para hacer ningún tipo de conexión compleja, instalación y/o soundcheck, a la vez por el espacio y formato se esperan sets compactos y fáciles de montar.
El año pasado tuvimos una variedad muy amplia de diferentes estilos musicales que pasaban por el hip hop instrumental, el techno y el ambient, con artistas como Daniel 4x4, Syntax Erika, Gustavo Gutiérrez, entre otros.
Debido a la logística del evento, el espacio para propuestas musicales es muy limitado y queremos destinarlo a artistas de la misma comunidad de Mexsynthco.
Cómo ustedes saben Mexsynthco es una iniciativa autogestiva y gratuita, por lo cual las participaciones musicales, talleres, charlas y exponentes no recibirán ninguna compensación económica.
Debes enviar un correo a mexsynthco@gmail.com con el título "PLUG & PLAY 2022" con los siguientes datos. Importante seguir todos los pasos y el título del correo para ser considerado.
1. Nombre de Artista o Proyecto
2. Cantidad de músicos en el proyecto
3. Lugar de origen
4. Liga a video de 2 a 3 minutos con tu Live Set (no videos adjuntos, preferible liga a YouTube)
5. Stage Plot detallado con medidas en centimetros.
6. Ligas a redes sociales
Algunas buenas prácticas, para lograr una presentación Plug & Play exitosa, es tocar con un set reducido de máquinas y sintetizadores. Usar bases o superficies dónde todo venga previamente conectado como pedaleras. Usar una Mixer o interfaz donde todo esté pre mezclado.
¿Cómo hacer un stage plot? les compartimos un ejemplo de como es un stage plot, básicamente es un pdf que sirve como una referencia visual de las cosas que utilizarás ese días, que contenga imágenes o nombres del hardware ocupado así como medidas exactas del espacio que se usará, esto nos ayudará a realizar una mejor logística el día del evento, acá un ejemplo:
La duración de la participación musical, el día y el horario serán definidos, por la logística de Mexsynthco una vez definidos los participantes.
La selección de propuestas será hecha por un jurado de productores y especialistas allegados al festival Mexsynthco 23.
La iniciativa Plug & Play en Mexsynthco no contemplará propuestas DJ.
Se recibirán propuestas hasta el día 08 de agosto de 2023 y los resultados de la convocatoria serán compartidos en nuestras redes sociales, el día 15 de Agosto de 2023.
Si tienes alguna otra duda, puedes acercarte al equipo de Holawave vía redes sociales o directo en la tienda.
]]>Musicalmente hablando los stabs son acordes en staccato o percusívos que juegan rítmicamente con elementos del beat, y al mismo tiempo marcan las melodías. Todos estos sonidos empiezan a surgir con la digitalización de la industria musical, uno de los primeros ejemplos de esto empieza en el hip hop, el cual de por si ya es un estilo musical que es pionero en el uso de los samples como herramienta de composición y recontextualización, como lo podemos ver en este ejemplo:
Por finales de los 80's cuando por fin se empiezan a hacer asequibles los samplers como los E-mu o los Akai, comienza una oleada de experimentación con estas herramientas y es como empiezan a surgir los primeros sonidos de este estilo, en un primer comienzo algunos sintetizadores hardware o los presets de estos se graban en los tracks como acordes rítmicos, luego al ser sampleados y con la posibilidad de cambiar la afinación de manera cromática es posible hacer melodías y jugar con la transciente del sonido para que sea más percusivo.
Los romplers también empiezan a ser una parte importante de los sonidos que vendrían a infestar toda la música electrónica de ese momento, en especial el más exitoso de todos el Korg M1. Y es así como comienza toda una oleada de resamplear stabs de otros discos, con esto generando sonidos con más texturas sucias o digitales.
Entre todo esta práctica es como algunos stabs se volvieron famosos y que por lo mismo pueden ser escuchados en más de tres canciones, como el Landlord Stab, el stab de Brazil, el T99, o el de James Brown is Dead.
Hay tres formas en particular de hacer stabs, la primera tiene que ver con utilizar un sampler y agarrar cacho pequeños de obligados musicales y utilizarlos de manera cromática y rítmica en un track.
La segunda forma es utilizando algún pluing especializado como lo es el Ravegenerator2 el cual es gratis y tiene una librería inmensa con barios de los stabs más famosos.
Y por último es posible realizarlos desde la síntesis, para eso les recomiendo:
Sí quieres saber más de los stabs te dejamos el programa de Nueva Onda donde hablamos de ellos:
Texto por Pablo Mendía.
]]>A ese sonido característico se le conoce como "rumble" y al inicio fue un accidente que era causado por el espacio físico pero que después de un tiempo se empezó a incorporar en las producciones para que la gente lo pudiera escuchar parecido a en un rave, para lograr este sonido se tiene que hacer una cadena de efectos en paralelo con el kick.
Primero una copia del kick o salida de audio tiene que tener un delay sin feedback y que este en sync para hacer contratiempos en la subdivision ritmica, después tiene que pasar por un reverb grande, de ahí es posible sacarle armónicos por medio de una distorsión, para el sonido grave es necesario usar un filtro pasa bajas y por último usar un compresor en side-chain con el kick para que no pierda fuerza, obviamente se pueden usar eq's u otros efectos para darle personalidad al rumble.
Por acá les dejamos el parche y el podcast donde hablamos de eso:
Texto por Pablo Mendía.
]]>Y para quienes no estén muy familiarizados con este término, a continuación les cuento un poco más acerca de este magno evento que no solo gira en torno a las novedades creativas dentro del mundo de la síntesis y el hardware electrónico.
Superbooth es una iniciativa con más de 20 años de historia, que buscaba desde un inicio generar un espacio propio donde amigos, creadores y entusiastas de los sintetizadores pudieran compartir y encontrar un espacio de difusión de ideas creativas. El nacimiento de Superbooth se dió dentro del marco de la Musikmesse en Frankfurt, donde el propósito principal era el crear un espacio colectivo y de difusión de marcas pequeñas y principiantes dentro del mundo de la síntesis electrónica, generando la oportunidad de costear los gastos al participar en un evento tan grande como la Musikmesse. Y así, pasados los años Superbooth fue creciendo más y más hasta el punto de volverse un organismo independiente que actualmente reside en el intrigante corazón del FEZ de Berlín.
El crecimiento de Superbooth año con año es cada vez más evidente, tan solo en esta edición se montaron más de 290 booths que albergaron a más de 290 propuestas e innovaciones dentro del mundo de la síntesis y producción con hardware y software.
Siendo esta la primera ocasión en la que acudo a Superbooth, puedo decir abiertamente que la percepción del tiempo se ve alterada y los días son especialmente cortos, ya que para mí tres días desde luego no fueron suficientes para intentar conocer todo lo que residió en el fascinante FEZ. Es así que en esta ocasión les hablaré solo de 5 lanzamientos que pude conocer y escuchar en persona, así como un poco acerca de lo que pude visitar y conocer dentro de estos días, sin embargo espero poder hacer una segunda nota hablando de otros 5 lanzamientos para poder llevarles un top 10 de los descubrimientos en Superbooth, lo cual espero sea solo un aliciente para que puedan investigar y explorar aún más sobre todos los expositores que residieron este año. De igual manera, me encantaría publicar continuamente breves notas acerca de cada uno de estos proyectos en el blog para poder así ampliar nuestra perspectiva con relación a las innovaciones y nuevos proyectos de investigación y generación de instrumentos especializados en síntesis y producción.
Comenzaré así, con algunos de los lanzamientos que tuve la oportunidad de escuchar y explorar de primera mano.
El tan esperado oscilador espectral dual ya tiene fecha de lanzamiento, y es que después de escucharlo en acción hace unos días, solo esperamos que llegue octubre para poder gozar más tiempo de interacción con este módulo creado en la nueva plataforma de hardware digital de Make Noise, el cual utiliza la análisis espectral y la resíntesis en tiempo real para crear nuevos sonidos a partir de los ya existentes.
Inspirado principalmente en los instrumentos musicales electrónicos clásicos del pasado como los procesadores espectrales, los codificadores de voz, la síntesis aditiva y los resonadores. Este oscilador toma una forma física más parecida al clásico oscilador analógico de doble complejo del linaje del Buchla 259 y el DPO de Make Noise.
Spectraphon tiene dos lados casi idénticos, A y B, que oscilan en una de dos formas: Modulación de amplitud espectral (SAM) y Oscilación de matriz espectral (SAO). Los cuales revisaremos más a fondo así como todas sus características en otra de nuestras notas. Por lo que si te interesa adquirirlo puedes preguntarnos directamente, ya que contaremos con algunas piezas de este sublime lanzamiento.
Un lanzamiento revelador para mí fue la nueva TP-7 de Teenage Engineering. Esta grabadora de audio multiusos portátil de solo 170gr es el nuevo elemento del ecosistema de Teenage, el cual se caracteriza no solo por lo compacto, si no por su minimalista pero funcional diseño. Y es que resulta ser que esta grabadora portatil, no solo es una grabadora, ya que cuenta con múltiples opciones de funcionamiento para llevarla más allá y cumplir así con los múltiples objetivos de sus usuarios.
Dylan, quien forma parte del equipo de Teenage me hizo una breve demostración de las posibilidades de la TP-7 (a continuación adjunto un breve video). Y es que esta grabadora, también funciona como una interfaz de audio portátil, la cual nos brinda la posibilidad de conectar micrófonos externos, para llevar más allá la calidad de nuestro registro, además de contar con una memoria interna de 128gb.
Sin duda alguna, desde hace mucho tiempo no me sentía atraída por alguna grabadora, pero mi sorpresa e interés fue mayor cuando comprendí que el ecosistema de Teenage está pensado para funcionar de manera interconectada, y es que una forma de aprovechar el diseño de esta grabadora que simula ser una grabadora de cinta con un disco giratorio, también puede ser pensada como una tornamesa que a su vez puede ser conectada a la TX-6 (mixer de Teenage) y empatada con otra TP-7 para montar un booth portátil de DJ.
He de reconocer que ha de ser una experiencia bastante interesante tocar un DJ set con un booth así de pequeño pero poderoso, y me encantaría intentarlo en algún momento.
Con el creciente auge de las workstation estos últimos meses y las necesidades de crear y ejecutar un live set en tiempo real, sin la necesidad de depender inicialmente de una computadora o de todas las máquinas de tu estudio, las innovaciones por parte de los múltiples equipos creativos no se ha hecho esperar, y es que como mencioné en el inicio de esta nota, Superbooth es un espacio incluyente que no solo busca dar difusión a los grandes lanzamientos de marcas ya establecidas, es también una puerta de acercamiento a los pequeños equipos que están desarrollando y evolucionando constantemente las formas de interacción entre la tecnología y la creatividad.
Un claro ejemplo de esto es la sorpresa que me llevé al encontrar el PolyPulse, una workstation desarrollada por Lambda Synthetics, quienes en su booth tenían el prototipo de su workstation, el cual es el primer y único desarrollo hasta el momento de Lambda.
Lo que más me llamó la atención de esta workstation fue su diseño de interfaz, ya que cuenta con cinco pistas armadas, cada una de ellas con un secuenciador capaz de programar y disparar ritmos, así como melodías de corte clásico, pero también polirritmos y melodías complejas. De igual manera, existe la posibilidad de utilizar diferentes motores de sonido, como síntesis FM, síntesis aditiva y varios tipos de muestreo de audio. La disposición de su teclado y distintos comandos (similares a los utilizados en un ordenador), te dan la posibilidad de acceder a vistas de arreglo, efectos y edición de sonidos en la pantalla. Esta workstation también incluye 5 paneles táctiles (uno por pista), para brindar expresividad y dos grupos de 16 perillas (16 destinadas para el secuenciador y 16 para la edición de sonidos). De igual manera, cuenta con 25 teclas que conforman un teclado musical.
Sin duda, con este lanzamiento visto de primera mano, en definitiva quiero seguirle la pista a este lanzamiento y conocer aún más sobre Lambda Synthetics, quienes a mi parecer están apostando por extender los límites de las workstation, pero por el momento habrá que esperar hasta que el proyecto esté listo. A continuación comparto el link a su página de internet.
Otro de los lanzamientos que tuve la oportunidad de escuchar en vivo y en directo fue el Sintetizador Analógico de Escritorio “Implexus” de Majella Audio. Este sintetizador analógico autónomo con opciones de control MIDI o CV desde fuentes externas, nos presenta dos fuentes de sonido primarias (el generador básico y el generador complejo), un suboscilador, un mezclador, un filtro resonante y un delay digital estéreo. La sección de modulación incluye dos LFO, dos envolventes y una bahía de conexión de 3,5 mm estilo Eurorack en la parte posterior del instrumento.
El Implexus toma algunos de los aspectos sonoros más convincentes de los respectivos estilos del west coast y el east coast, combinándolos de maneras poco comunes para presentar una nueva versión de sonidos. Y si bien no es el primer sintetizador parcheable autónomo que aborda la idea de emparejar los enfoques de síntesis de la costa este y oeste, creo que Implexus ofrece su propia visión acerca de cómo estas ideologías de síntesis pueden funcionar juntas, inyectando a su vez una buena cantidad de ideas únicas: como el acceso instantáneo e independiente a diferentes divisiones de reloj en cada uno de los LFO y el delay estéreo creando una experiencia de juego que se inclina fuertemente hacia la exploración polirrítmica de texturas de síntesis en evolución.
De igual manera, la gran riqueza ofrecida por el wavefolder del Complex Generator y el filtro resonante aunado al enfoque rítmico nos brinda la manera perfecta de explorar drones profundos y pulsantes en constante cambio, texturas abrasivas con estilos mecánicos o sonidos sónicos que evolucionan lentamente pero claramente organizados.
Aunque pareciera que Implexus centra su comercialización en el choque de costas, después de escucharlo y explorarlo un poco, considero que este sintetizador nos brinda más que esto ya que puedes distinguir su propia voz y generar juegos rítmicos bastante interesantes que probablemente no encontrarás en un Music Easel o un Minimoog.
Sin duda alguna, me gustaría hablar en otra nota acerca de las funciones y detalles de este lanzamiento de Majella Audio.
A continuación comparto con ustedes un video para que puedan escucharlo.
La verdad es que durante este Superbooth no podía dejar pasar la oportunidad de probar la nueva Analog Heat +FX, y es que escuchar en vivo las bondades de este pequeño pero poderoso procesador multiefectos me brindaron una perspectiva distinta de lo que se puede hacer en tiempo real con una pequeña pero poderosa máquina.
En esta ocasión, tuve la oportunidad de procesar y jamear una pequeña kalimba disponible en la mesa de exhibición y he de decir que los resultados en tan solo unos minutos me volaron la cabeza. Y es que esta nueva versión de la Analog Heat ahora adquiere una arquitectura híbrida formada por una parte analogica (con 8 tipos de distorsión, un filtro multimodo con 7 tipos diferentes tipos de filtro y un EQ de dos bandas), y una parte digital (con 7 procesos nuevos como Reverb, Delay, Chorus, Bits, Compressor, Warble y Bass focus), la cual se puede activar y desactivar o de igual manera también modular con un seguidor de envolvente, además de contar 3 LFOs los cuales a su vez nos brindan diferentes formas de onda.
Una de las cosas que más me gustaron y volaron la cabeza de esta máquina fue la inmediatez y posibilidades de fracturar los sonidos, además de la versatilidad para usarse en un performance en vivo ya que te permite almacenar hasta 512 pre-ajustes.
Sin duda las posibilidades que nos brinda la nueva Analog Heat +FX nos dan material para revisarlos a fondo en otra nota.
Después de presentarles estos 5 lanzamientos, dejaré hasta aquí esta primera entrega, ya que aun tengo mucho que contarles sobre Superbooth así como otros lanzamientos y descubrimientos de los que fui testigo durante esos tres maravillosos días.
A continuación, les dejo un pequeño video recopilatorio de algunos de los momentos que vivencie y unas fotos de conejito extasiado.
Bungalow Verbos Electronics
(Booth Cre8audio)
(Booth Pittsburgh Modular)
(Booth Waldorf)
(Booth Elektron)
Dune Girl (preparando su segundo set)
Entrada FEZ
https://www.instagram.com/reel/CsUiTpAuzBc/?utm_source=ig_web_copy_link&igshid=MzRlODBiNWFlZA==
Texto por KOI.
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Para celebrarlo como se debe tendremos el día Moog Day en las instalaciones de HolaWave.Store Condesa y puedes ser parte de ellas.
14:00 a 15:30 hrs
Aprende del Theremin
por Ernesto Mendoza Polanco
El maestro Ernesto Mendoza es un especialista ejecutante del instrumento que se toca sin tocar, el impresionante Theremin. Con más de 20 años de carrera en el instrumento Ernesto nos compartirá los secretos de este etéreo instrumento electrónico.
Si quieres ser parte de esta clase gratuita no olvides registrarte en nuestro evento en la plataforma EventBrite.
15:30 a 16:30
Conoce el Grandmother
por Pablo Mendía
El especialista y productor Pablo Mendía nos dará una mirada al clásico moderno de los sintetizadores semi-modulares Moog, el Grandmother.
Una de las herramientas más fieles a los clásicos modulares que iniciaron el camino de Bob Moog al estrellato de la síntesis. En esta charla se explicarán cada uno de los módulos que incorpora el sintetizador así como algunas técnicas de parcheo posibles dentro de su arquitectura.
Si quieres ser parte de esta clase gratuita no olvides registrarte en nuestro evento en la plataforma EventBrite.
16:30 a 18:00
Pal en vivo (Moog day)
por Leo Méndez
Celebramos el cumpleaños de Bob Moog con un PAL especial en vivo.
Hablaremos de los inicios en el mundo de la electrónica por parte del icónico pionero y daremos lectura a uno de los primero capítulos del la biografía de Bob escrita por Albert Glinsky. Si quieres ser parte de esta transmisión no olvides registrarte en nuestro evento en la plataforma EventBrite.
18:00 a 19:00
por Concepción Huerta
Concepción es una productora mexicana que trabaja el sonido a partir de texturas y atmósferas.
En esta celebración del MoogDay nos compartirá el uso de herramientas Moog semi-modular como proceso creativo para crear su álbum "Harmonies from Betelgeuse". Sonido, electricidad y psicoacústica. Si quieres ser parte de este showcase gratuito no olvides registrarte en nuestro evento en la plataforma EventBrite.
Este Superbooth contó con muchos lanzamientos bastante interesantes, desde súper sintetizadores de 20 voces binaurales como el Super Gemini de UDO, hasta sintes multi-timbricos granulares como el Tempera o el Tasty Chips GR-MEGA. Además está ocasión nuestra querida KOI tuvo la oportunidad de hacer una cobertura especial, que nos compartirá más adelante sobre su experiencia, mientras tanto te dejamos 3 productos que nos gustaron del Superbooth
Una sorpresa de la compañía sueca es el Analog Heat+FX una versión pro de su procesador de señales, agrega efectos digitales como emulaciones de cinta, reductores de calidad, reverberaciones, echos y más, sin perder sus ocho circuitos analógicos de distorsiones, su compresor analógico y su filtro analógicos todo esto en estereo y con la posibilidad de cambiar el ruteo de los efectos además de tener modulaciones, internas y servir como una interfaz de audio, sin duda una súper máquina que será muy útil en cualquier circunstancia, en vivo o en el estudio.
Sin duda esperábamos un lanzamiento en el terreno de lo analógico o la estereofonía por parte de la compañía de Ashville, no obstante el Spectrphon de alguna forma no deja de lado la parte estereofónica pero sin duda es lo menos importante de este gran módulo.
Fusionando varias ideas de la escuela del West Coast de Don Buchla como los osciladores complejos y los bancos de filtros como herramientas de análisis espectral, pero implementado desde la síntesis aditiva y con la ayuda del gran Tom Erbe, crearon un oscilador dual que puede analizar en tiempo real con cero latencia una señal y resíntetizarla por medio de suma de senosoidales para usarla después como material para crear formas de onda extravagantes que además están interconectadas como un oscilador complejo donde una modula a otra, una locura.
Después de casi 3 años de la creación de Korg Berlín, y dirigida por Tatsuya Takahashi conocido por inventar la serie Volca de Korg, nos habían mantenido en suspenso hasta hace unos días en el Superbooth con el lanzamiento de lo que han llamado Acoustic Synth Phase 5, un instrumento electro-acústico que es está en un limbo entre ser eso o un sintetizador, la verdad un instrumento difícil de catalogar, pero que es muy interesante en concepto.
Básicamente su idea era conservar lo orgánico de los instrumentos acústicos y el control electrónico por módulos de los sintetizador. Para la creación del sonido se tienen cañas de acero por cada nota que son excitadas por un sistema electrómagnetico conformado por bobinas e imanes, que ponen en movimiento estas piezas de metal pero que por medio de un sistema bien implementado de feedback por zonas y que es audioreactivo, puede exaltar y cambiar la amplitud de los armónicos emitidos por el instrumentos, además este sistema puede ser controlado por un LFO y cuenta con dos modos de operación uno en el que se utiliza un impulso como excitador y otro donde el sistema es excitado continuamente, lo que hace que suenen las notas por un tiempo indefinido.
Ahora piensen que esto puede ser afectado por factores externos ya que las piezas están expuestas, por lo cual es posible realizar técnicas extendidas como se haría para un piano preparado, o feedbacks controlados como una guitarra eléctrica.
Además el equipo ve toda está tecnología dentro de muchas aplicaciones así que es posible que podamos esperar bocinas, resonadores y otra variedad de procesadores de señales electro-acústicos y que estarán controlados como un sintetizador.
]]>El nuevo Analog Heat +FX es una maquina que manipulará y le dará color a tus sonidos de manera versátil. Permite reordenarlos para experimentar y encontrar su propio flujo de señal con sus propios timbres especiales.
El Analog Heat +FX es una caja de manipulación y coloración de sonido versátil. Le brinda una amplia paleta de colores de efectos para posibilidades de procesamiento. Reordenarlos para experimentar y encontrar su propio flujo de señal con sus propios timbres especiales. Cualquiera que sea la fuente y el destino, mejore, destruya, encienda y haga que se desvíe. Deja que tu sonido sea tu lienzo.
Añade movimiento y textura con el efecto Warble, el cual es una emulación de cinta que podrá darle un sonido lo-fi a tus señales o simplemente darle vibrato.
Por otro lado tenemos el famoso chorus de la Digitone, que puede llegar a funcionar como un resonador. Otros clásicos disponibles son el delay y reverb de la serie Digi. Por otro lado están los bit crushers de reducción de bits y muestreo que agregarán ese toque especial de fallas de baja fidelidad. Y por último está el Bass Focus que con un crossover puede limpiar tus bajos y pasarlos de estéreo a mono en el punto de cruce elegido, lo que le permite obtener un bajo gordo y enfocado.
En la página Flujo, se puede reorganizar, silenciar y reactivar rápidamente los efectos para encontrar su propio flujo de señal como tú lo desees. Agregua profundidad, dimensión, complejidad y color a tus tracks. Además es posible guardar los ajustes como presets, incluyendo los ajustes de sus 3 LFO's o su envelope follower.
Tiene entrada estéreo y salida estéreo más dos entradas de control para voltaje de control, entradas de expresión o switchers de pie. Estos se pueden asignar a una gran cantidad de parámetros de los efectos. Entrada, salida y thru MIDI de 5 pines, incluso con soporte de sincronización DIN para los clásicos Roland. El USB está integrado para facilitar la conexión con dispositivos class compliant, como computadoras, teléfonos, tablets y para una integración perfecta con la computadora vía Overbridge, haciendo la nueva Analog Heat + FX una buena interfaz de audio.
]]>El CM-15 es un micrófono de condensador hipercardioide con un diafragma de una pulgada, lo cual es bastante grande para un micrófono miniatura. Entre algunas de las virtudes de este micrófono, sobre sale el hecho de que tiene una batería recargable de litio, el cual proporciona phantom power, sin embargo es posible darle poder vía un cable XLR como se haría normalmente o por medio de su conexión de USB C.
Para las conexiones la compañía pensó en varios posibles escenarios, ya que incluyeron una salida mini XLR, que gracias al cable incluido se conectará sin problema a cables XLR estándar; la salida TRS de 3,5 mm, pensada para cámaras u otro tipo de dispositivos sin opción XLR; y el puerto USB-C al que acompaña un convertidor AD ESS sabre ES9822Q PRO, esto convierte al micrófono en una interfaz para pasar lo grabado directo a la computadora con un conversor de alta gama.
Sin duda una gran opción para realizar grabaciones de campo, sesiones acústicas, y hasta para el estudio ya que incluye su propio atril o la posibilidad de montarlo en algún atril genérico.
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Algunas recomendaciones generales:
Tienes hasta el 5 de Mayo a las 16:00 hrs CDMX para participar.
Organiza Síntesis con Leo Méndez y HolaWave
Si quieres inspiración te dejamos la transmisión con las participaciones del 2022:
Para entrar en contexto el Dub, comienza un poco con los sound clash o guerras entre los sound systems los cuales eran una especie de "sonideros" donde se cerraban calles y se ponía música reggae, entre todo eso empezaron a surgir los maestros de ceremonias que iban guiando la fiesta y con la llegada de las maquinas para hacer vinilos empezó a surgir una necesidad para tener versiones más largas e instrumentales para darle espacio a los maestros de ceremonia.
A continuación presentamos algunos ejemplos sobre el legado de este género musical:
Hablando del sonido del Dub, podemos describirlo como un reggae instrumental que utiliza mucho los efectos. La estética dub hace fuerte énfasis en el espacio , los procesos de audio de tiempo como reverb o delay son súper utilizados con ese mismo fin, de generar una idea de espacio, pero también desde un punto de vista psicodélico, así mismo, por lo general no hay voces y por lo mismo el género hace fuerte énfasis en los bajos y las percusiones, de hecho otra característica del sonido Dub es que los subs estén muy alto en la mezcla, con pocos armónicos y muy profundos. Los phasers y flangers también son parte importante de los efectos que son utilizados, así como SFX hechos con instrumentos electrónicos. Sin duda el sonido responde a la cultura de las drogas psicodélicas, pero también a los sound systems, de ahí la obsesión por las frecuencias graves.
Todas estas características impregnarían otros géneros musicales desde rock hasta en la música electrónica, géneros como el dub techno y el dubstep, están basados en todas estás características.
La idea de los sound systems es particularmente importante en el desarrollo de la cultura del remix y en la aparición de los MC's o maestros de ceremonia, la apropiación de la calle comienza con dinámicas sociales de fiesta y va exigiendo mayor calidad por parte de cada "sonidero", ya que al haber varios al mismo tiempo la gente tenía que tomar una decisión entre a cual asistir, y eso a su vez empujaba a los Dj's o selectores a buscar música única, tener mejores sistemas de audio y mayor protagonismo en la parte vocal como maestro de ceremonias.
Esto sería exportado al Bronx, en el cual figuras como Dj Kool Hert de descendencia jamaiquina empezaría a hacer soundsystems pero con música funk, y al igual que en Jamaica tendrían MC's pero que adaptarían el lenguaje y rimas del slang americano a los shows, en otras palabras rapeaban, y con eso sentarían las bases del Hip Hop.
Las llamadas "versiones" aparecieron cuando llegaron máquinas para cortar vinilos a Jamaica, que como mencionamos arriba estaban hechas en primera instancia para los sound systems pero después se volvió parte de la cultura con la incorporación de los lados B de los tracks donde eran instruméntales enfocados en el bajo y las percusiones.
Estas ideas serían adoptadas por toda la cultura del club y la música electrónica hecha para bailar, con versiones extendidas y nuevas versiones.
Pensar en una consola para creación y manipulación del sonido fue algo que no se tenía tan claro hasta después del dub, de hecho los técnicos y operadores de consolas eran más “académicos" que músicos. Desde un punto de vista de la síntesis aditiva, sumar formas de onda senosoidal a diferentes frecuencias puede generar formas de onda más complejas, lo mismo se puede pensar con formas de onda más complejas y señales de audio, además de utilizarla para mandar canales a procesadores de audio los cuales cambiarán a su vez el contenido tímbrico y hasta con la posibilidad de agregar variaciones rítmicas.
Texto por Pablo Mendía.
]]>En este texto ahondaremos en las últimas secciones que nos hacen falta explorar, permitiéndonos así enfocar nuestra última entrega de la serie a las posibilidades de conexión con otros sintetizadores, así como múltiples ejemplos de parcheo, que pueden marcar un camino a seguir en cuanto exploración sonora.
De esta manera, comenzamos así con nuestras secciones de Utilitarios, los cuales podemos encontrar en dos secciones de la Matriarch, los cuales permiten amplificar o atenuar nuestra señal, gracias a que cuentan con 4 puntos de patch (4 en cada módulo), que son multiplicadores de señal y los cuales no permiten que se tengan caídas de voltaje al ser activos, permitiéndonos así enviar a múltiples destinos una misma señal de modulación.
Dentro de esta misma sección podemos encontrar tres circuitos atenuaversores y otra sección de modulación (LFO), la cual cuenta con dos salidas en específico (triangular y cuadrada). Incluso si determinamos que nuestra salida del LFO sea cuadrada y lo conectamos al VCA podríamos generar un trémolo, el cual, si oscila demasiado rápido, podría visibilizar sonidos propios de la amplitud modular.
Otra forma de controlar el rate de nuestro LFO, sería utilizando una salida del sample and hold y modular su fuente de modulación con otra fuente de modulación, teniendo así una sección aleatoria la cual nos permitiría generar cosas demasiado interesantes.
Otras secciones que son sin duda sumamente importantes para el funcionamiento y dinamismo de la Matriarch son el característico arpegiador y su poderoso secuenciador.
Para activar la magia del potente arpegiador, solo se tiene que presionar el botón de play (el cual se encuentra en la serie de teclas de colores, ubicados debajo de la sección de arpegiador y secuenciador), siendo posible mantener el patrón de sonido creado presionando la tecla de hold, y permitiéndonos así manipular otros parámetros de nuestro sonido como el filtro, las resonancias o las envolventes, todo esto en tiempo real y permitiéndonos así una ejecución más libre y dinámica para actos en vivo o incluso para producir. Gracias a sus múltiples configuraciones de órden de ejecución de notas y a la perilla de rate, es posible jugar con la aceleración, brindando dinamismo a la composición.
Pero si el dinamismo del arpegiador fuera poco para las intrincadas secuencias de los creadores, no hay que olvidar que el matriarc nos ofrece un poderoso secuenciador de 256 pasos, el cual se puede contener hasta 12 diferentes secuencias divididas hasta en 3 bancos, únicamente para activarlo deberás colocar el switch en formato de grabación y comenzar a grabar. La mejor parte de este secuenciador es que es polifónico, por lo cual podrás grabar también acordes.
En esta misma sección dedicada al secuenciador, podemos encontrar un conjunto de botones (Rest/Tie/Ratchet), los cuales nos ayudan a determinar las variaciones y dinamismo del secuenciador.
Otra sección del Matriarch que no puede quedar fuera de esta exploración es nuestro Output, el cual contiene 2 VCA independientes con dos controles de voltaje, además de un volumen general y un volumen independiente para audífonos.
Dentro de esta misma sección, podemos encontrar 3 diferentes opciones para activar el VCA
La sección enfocada en la parafonia nos permite también elegir entre 3 formas para utilizarla.
Por último, pero no menos importante exploraremos mi sección favorita, el Delay Stereo. Este Delay tipo BBD, está basado en la serie 500 (el mítico delay de Moog), el cual nos brinda un sonido 100% analógico.
Este delay además de ser estéreo nos ofrece una infinidad de opciones de creación y distorsión espacial en nuestro sonido, de igual manera nos ofrece tres modos de uso:
Ahora bien, una vez ya explorados todos los módulos que componen al Matriarc de Moog, podemos darnos a la tarea de explorar su sonido y sus posibilidades sónicas tanto a nivel individual, como en conexión con otros organismos sónicos.
Es así que en la siguiente y última entrega dedicada a la Matriarch, exploraremos distintos patch y posibilidades de conexión con otros sintetizadores.
Recuerden que si quieren escuchar o tocar este sintetizador, e incluso adquirirlo, se encuentra disponible un demo en nuestra tienda HolaWave, ya que tenemos un espacio dedicado solamente a sintetizadores Moog, llamado el Moog Room México.
Texto por Koi.
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Adquiérelo en el siguiente link y no te pierdas las demás promociones
]]>Y es que esta portátil, pero elegante groove box forma parte de la familia Elektron, lo cual la dota de un poderoso secuenciador y una sección de parámetros que pueden ser manipulados en tiempo real y de manera independiente, lo cual nos brinda la oportunidad de generar patrones y secuencias bastante dinámicas.
Gracias a la versatilidad de sus 6 tracks es posible ejecutar múltiples instrumentos y sonidos dentro de una misma página de secuencia, y manipular a los mismos de manera independiente, además de experimentar entre los samples que vienen ya pre-cargados o con nuestros propios samples diseñados previamente.
Encuéntra esta groovebox y otros descuentos de la primavera electrónica de HolaWave en el siguiente link:
]]>El Moog Mavis llegó el año como un reemplazo del exitoso Werkstatt el cual fue un sintetizador semi-modular asequible, el cual incorporaba el legendario sonido Moog en un formato portátil. El Mavis además es el primer sintetizador de la marca Moog que contiene un circuito de wavefolder, los cuales son característicos de la costa oeste con marcas como Buchla o Serge.
Sin duda se ha ganado nuestros corazones por ser una gran herramienta para entrarle a la síntesis modular, por un lado tiene un precio súper accesible pensando que estás adquiriendo diez módulos en uno (LFO, envolvente, oscilador, wavefolder, filtro, VCA, S&H, mult, atenuador, mixer) y que por separado costarían una fortuna, tiene dos formatos de uso bastante flexibles, tanto standalone o montado en un sistema Eurorack, y por si fuera poco cuenta con los elementos básico para entender de manera pedagógica el flujo de señal de un sintetizador.
Otra cosa que nos gusta bastante es procesar señales externas por medio del Mavis, desde generar distorsiones raras con el wavefolder, como crear tremolos o AM con el VCA, y hasta "wahs" con el filtro, sin duda una buena opción.
]]>Algunas personas también usan el DFAM para hacer leads o bajos debido su gran flexibilidad, todo esto respaldado por el gran sonido y legado de la marca Moog.
En primera instancia es uno de los secuenciadores más potentes del mercado, puede controlar hasta ocho maquinas vía MIDI, y utilizar sus tres LFO's por canal. Eso ya de entra es suficiente para considerar tenerla como cerebro en una live act.
Al tener cuatro entradas que pueden utilizarse como dos pares estéreo o cuatro entradas mono y dos salidas "CUE" es posible utilizarla como una consola de todo tu live, a nosotros nos encanta utilizar CUES para procesar por separado los canales con hardware externo. Eso sin contar que la Octatrack cuenta con sus propios efectos, y una posibilidad grande de edición y sound design desde el motor de samples. Entre algunas que cosas que se pueden hacer es choppear, generar time streach, hacer slices, usarla como looper o como una caja de ritmos convencional.
]]>A unos meses de la salida comercial del primer sintetizador la compañía francesa Expressive E, podemos empezar a ver un poco de su sonido y de su potencial en videos por parte de toda la comunidad que ya tuvo la oportunidad de adquirir uno, por acá en Holawave, estamos emocionados porque traemos próximamente algunas unidades del Osmose.
Para los que no conozcan a la marca Expressive E, les cuento un poco sobre ella, básicamente se hicieron famosos por crear un pedal de expresión de alta gama llamado "Touché", su nivel de detalle a nivel MIDI o CV es sorprendente, piénsenlo así, es como tener otro pitch bend o modwheel pero súper sensible y súper musical. Su éxito fue tal que Arturia copió su diseño y lo incluyó como parte del Polybrute. Por fortuna la tecnología con la que se hicieron estos pedales se fue perfeccionando y ya de unos años para acá fue parte del prototipo de un sintetizador sin precedentes a nivel expresivo, el cual llevaría el nombre de Osmose.
A continuación te decimos cuales son algunos puntos por los que el Osmose puede ser uno de los mejores sintetizadores nunca antes creados.
Queda claro que el objetivo principal del Osmose en cuanto a diseño tiene que ver con la expresividad, con una interfaz en la cual hay pocas perillas, no tiene un panel frontal y una construcción minimalista que le termina dando mayor importancia al teclado, el cual es el verdadero protagonista del instrumento, como hemos mencionado arriba, cada tecla es como si fuera un mini touché, una especie de teclado tridimensional.
El teclado tiene posibilidades MPE, o sea modulación polifónica por tecla, eso quiere decir que si estamos tocando un acorde una de las notas del acorde podría tener un vibrato mientras las otras se quedan igual sin ningún tipo de desafinación, tiene aftertouch polifónico, modulación de presión con un detalle milimétrico y súper sensible, que además puedes hacer bends moviendo alguna tecla hacia los costados; de ahí que le llamen teclado tridimensional. Por si fuera poco el teclado tiene un peso idóneo para el tacto y la interpretación.
El Osmose sería un ROLI más en el mercado, sino fuera porque incorpora un motor de síntesis llamado EaganMatrix, hecho especialmente para generar una respuesta orgánica a nivel de síntesis desde los más minúsculos cambios generados por su teclado súper expresivo, el cual está calculando y recopilando datos a una velocidad rápida. Este motor es parte de una colaboración que tuvo la compañía francesa con la gente de Haken Audio los cuales ya son conocidos por otros instrumentos bastante expresivos como lo son los Continuum, sin embargo son dos bestias completamente distintas y de hecho la misma gente de Haken afirma que el motor funciona distinto en ambas máquinas simplemente por el hecho de que la expresividad se genera de formas distintas.
Hablando del motor es un sintetizador modular complejo, que se programa con una matriz de modulación, el cual se compone de distintos módulos especializados entre los que hay, bancos de senosoidales para síntesis aditiva, y análisis- resíntesis de la misma, bancos de filtros pasa banda para síntesis modal, lineas de delay para hacer waveguide, FM, y modelado virtual de síntesis sustractiva, así como cosas que quedan en medio, como la posibilidad de hacer retroalimentación entre todos los módulos y la virtud de que están programados específicamente para recibir señales mínimas de expresión por lo cual no sonaría igual si lo controlaras desde un controlar MIDI convencional.
Una característica novedosa y nunca antes implementada es su arpegiador MPE, el cual le podrá dar mayor dinamismo a tus sonidos, normalmente una arpegiador escogería dependiendo de su algoritmo las notas que estes tocando en un orden específico a la velocidad de un reloj, y el resultado sería un recorrido un tanto estático al menos de que involucrara un poco más de programación, sin embargo con está nueva implementación es posible, desafinar poquito alguna de las notas y por separado, también es posible si existen alguna modulación de aftertouch activarla por tecla y hasta cambiar el volumen por la nota debido a la presión, esto cuando se asigna para modular la subdivisión rítmica del arpegio desde alguno de los parámetros de expresividad, permite generar polirítmos desde el arpegiador y la expresividad, ¡Una locura!
Por último está la posibilidad de usar la presión o peso que las manos ejercen sobre las teclas para generar glissandos controlados al tempo que queramos por la misma presión, algo súper útil para cierto tipo de sonidos, normalmente tendrías que ajustar el tiempo del glide con alguna de tus manos para hacer esto en tiempo real, por lo que esto te permite concentrare en la interpretación del instrumento y hasta tener mejor control de manera expresiva, de hecho este sintetizador está hecho más para ser tocado, que para pasar el rato programándolo o "twekeándolo".
Texto por Pablo Mendía.
]]>Si pensamos en la historía de la música podríamos ver que estas tecnologías son relativamente nuevas y que la manipulación de espacios de manera artificial por consiguiente es algo que tiene poco tiempo de ser explotado, es por eso que nos emociona que existan talleres que toquen este tipo de temas, para poder aprender a manipular el sonido en arreglos de muchas bocinas y así poder tener la capacidad de crear experiencias inmersivas o espacios que sólo podrían existir de forma artificial.
Texto por Koi.
]]>Ahora la Digitakt literalmente está a dos pasos de la Octatrack en términos de funcionalidad y edición, pues acaban de agregar nuevas "maquinas" este termino que se ha usado sobretodo en la Syntakt o en la Analog Rhythm para describir modelos o algoritmos para hacer algo en específico, en el caso de la Digitakt para manipulación y reproducción de samples.
En total tendremos 4 máquinas:
One Shot que es la que viene por default, actúa como normalmente esperarías de una Digitakt.
Werp nos proporciona una forma de hacer timestreach por medio de síntesis granular, donde se hacen pequeños cortes del sample y se empatan al tempo de nuestro patrón, en este caso es posible cambiar el la frecuencia de la muestra sin afectar el tempo o simplemente cambiar el tempo y que éste lo siga, Werp también fue pensado de forma creativa ya que tiene artefactos interesantes para crear glitches.
Repitch es otra forma de ajustar nuestros loops al tempo de la sesión pero este lo que hará es calcular en que frecuencia debería de estar el sample para empatar con el tempo y automáticamente lo ajustará a este, es una técnica un poco más old school de empatar los samples y que además se puede modificar por barras la velocidad, lo que permite hacer cambios rítmicos interesantes que vienen acompañados de cambios de tono.
Slice por ahora es la última máquina agregada, la cuál permite cortar un loop largo en varias partes que pueden estar en una subdivisión rítmica y en partes especificas entro del cruce cero de las transcientes para evitar clicks, esto es súper útil y súper pedido por la comunidad de artistas que están muy apegados a la forma de samplear y crear de una MPC de Akai, ya que aquí puedes choppear tus loops y reacomodarlos como gustes, de hecho es posible usar el "chormatic mode" para tocarlos con los triggers.
Además de todo esto se agregó reducción de la calidad de la muestra pre y post fader, así como algunos ajustes en el performance haciendo curvas más naturales en los encoders para mover valores MIDI o atenuando artefactos y clicks no deseados al cambiar de tipos de filtro.
Sin duda un update que nos deja con la boca abierta, esperemos quizás más adelante una machine de síntesis granular.
Texto por Pablo Mendía.
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Y es que, como revisamos en la primera parte de esta serie, la profundidad, versatilidad y oportunidades sónicas que nos ofrece su parafonía con 4 voces completamente analógicas, aunadas a su potente secuenciador de 256 pasos, 90 bahías de parcheo, filtro de escalera estéreo y sus dos generadores de envolvente, sin mencionar la profundidad de su delay estéreo. Nos abre las puertas a viajar entre el tiempo, el espacio y la consistencia del sonido, logrando así anclarnos a él a través de sonidos con cuerpos monofónicos saturados, o viajando a través de él gracias a los punteos brindados por la parafonía y la movilidad generada por los retardos infinitos de un delay estéreo.
Es por esto, que el día de hoy, ya teniendo en claro algunas de las características básicas de los osciladores y la mixer (esta información se encuentra en la nota 1), nos centraremos en la escultura del sonido y el ya famoso filtro de escalera Moog el cual a través de síntesis sustractiva y de la mano de algunas otras funciones, nos permitirán esculpir nuestro “bloque” de sonido.
Es importante destacar que nuestra sección de filtro, cuenta con 2 filtros, los cuales nos permitirán generar una paleta sónica más distintiva. Ambos filtros cuentan con resonancia, pero el primero es un filtro multimodo el cual puede ser HP o LP (high pass filter o low pass filter), y para quienes no estén familiarizados con este término, nos referimos a las frecuencias que permite pasar el filtro ya sean altas (high), o bajas (low). En el caso del segundo filtro, este siempre será un LP (low pass filter). De esta manera, contamos con tres modos de uso, los cuales son:
Dentro de esta sección también podemos encontrar la perilla de spacing, la cual nos permite generar un desplazamiento entre las dos frecuencias del corte del filtro, brindándonos movilidad en las frecuencias a nivel estéreo.
Es importante no olvidar que también contamos con una envolvente de filtro en nuestra sección de generadores de envolventes, la cual también nos permite modular nuestro filtro.
Y para quienes no estén familiarizados con el término de envolvente, con éste término nos referimos a la función que modula la evolución de un sonido con relación a su amplitud a lo largo del tiempo. En este caso el Matriarch nos brinda dos generadores de envolventes (ADSR), uno asociado al filtro y otro asociado a la amplitud, los cuales contienen tres parámetros de tiempo:
Y un parámetro asociado al volumen o al nivel general del sostenido:
Ambos generadores tienen una bahía de patch llamada envelope end out, la cual nos permite generar un trigger, y el cual permite relanzar el circuito de la envolvente. Aunado a esto, en ambos generadores contamos con una bahía de parcheo de entrada de trigger (trigger in), la cual al patchearla con el envelope end out, nos permite generar un nuevo oscilador de baja frecuencia (LFO), donde la velocidad únicamente está asociada al attack y al release. Sin duda, una de las cosas que más me gustan de esta modulación, es que estas envolventes pueden modular también a cualquier otra sección del sintetizador, brindándonos una gran gama de sonidos que incluso pueden cambiar de polaridad gracias al atenuador que podemos encontrar en la sección de utilities, de la cual ahondaremos en la próxima entrega.
Sin duda, pienso que el conocer un poco más acerca de las dinámicas de los filtros y las envolventes podemos resaltar o contrarrestar características de los sonidos y esculpirlos hasta llegar a los sonidos que tenemos en mente. Es importante resaltar que por ahora solo estamos haciendo alusión a un tipo de síntesis, la cual es conocida como síntesis sustractiva, y la cual a través de filtros nos permite determinar que tipo de frecuencias queremos en la esencia de nuestro sonido.
De igual manera, ahora que conocemos un poco más acerca de este tipo de síntesis y del famoso filtro de escalera que Moog utiliza en muchos de sus sintetizadores, será más sencillo reconocer los demás tipos de síntesis en textos posteriores.
Espero esta breve nota les haya servido para seguir identificando algunas de las infinitas posibilidades que nos ofrece la Matriarch de Moog, y esperen el siguiente jam.
]]>La idea de salvar los patrones temporalmente en tu Model: Samples parece algo innecesario, no obstante nos da la posibilidad de poder editar y mover todos los parámetros de un sonido o todos los tracks a la vez, sin tener miedo a perder el patrón original, ya que es posible regresar con un pequeño shorcut.
Primero lo primero, para poder grabar temporalmente un patrón tendrás que dejar apretado el botón de "FUNC" y al mismo tiempo apretar el botón que tiene una llave inglesa, el cual abajo dice "TEMP SAVE", con esto automáticamente se hará un backup de tu patrón en turno.
Una vez grabado, es posible modificar todos las canales al mismo tiempo haciendo uso de una combinación de botones, la cual sería "FUNC" + "TRACK" + mover el encoder del parámetro que desees cambiar, y por último para regresar al patrón original tendrás que hacer uso de la siguiente combinación: "FUNC" + "PATTERN".
A continuación un video en el que se hace uso de esta técnica en un contexto musical: